James Hyde - Live Principles of Ventilation and Adhesion

Annemasse, Villa du Parc, France

Les artistes qui ont vingt ou trente ans de pratique artistique derrière eux révèlent et intensifient presque invariablement leurs intérêts principaux. Dans le cas de James Hyde, cela semble à la fois vrai et faux lorsqu'on étudie sa production. Il y a du progrès, mais la progression semble former une ellipse : la même confiance calme a toujours existé dans le travail, alors qu'il combine facilement et souvent diverses œuvres d'expositions passées avec des œuvres plus récentes. C'est le cas dans l'exposition actuelle de Hyde, où il a inclus au moins un type de sculpture "Pandora" (hybride d'émail sur fonte d'aluminium) de 2003 qui traverse typiquement le pictural et le sculptural. Ce que l'on vient de découvrir, c'est que Hyde est un chercheur d'une plus grande envergure que ce que l'on aurait pu croire.

J'ai vu pour la première fois une œuvre de James Hyde à la galerie John Good à New York vers 1990. Je me souviens que l'objet était constitué de trois tablettes de ciment aux couleurs sombres mais profondes, placées sur une armature en forme de table basse. L'ensemble ne devait pas faire plus d'un mètre de large ou de haut et illustrait le référent conceptuel de Hyde : l'extrapolation structurelle du plan vacillant de l'image et son modus operandi préféré, les amalgames de divers médias basés sur le plaisir.

Je n'ai jamais été en mesure de trouver cette pièce que j'ai décrite dans son inventaire d'images, mais elle existe puissamment dans mon esprit. Il se pourrait bien qu'il s'agisse de plusieurs images fusionnées ou transformées dans la mémoire. Elle nous renvoie à la dérive mentale qui accompagne un état idéal du regard, un autre thème constant dans l'œuvre de Hyde. Gerhard Richter mentionne dans une interview que Blinky Palermo pensait que l'art était un tout autre monde. Cette condition apollinienne s'applique également à Hyde.

La première impression que j'ai eue de cette œuvre non identifiable était puissante, car sa forme d'adresse passait par le béton, l'acier et le pigment dont elle était faite. Hyde semblait préférer ne pas engager le spectateur avec sa personnalité, mais, comme Donald Judd, mettre en avant l'émotionnalité de la matérialité. C'est pour cette raison que Hyde s'est distingué des nombreux artistes de cette génération naissante de la décennie précédente. Les expositions suivantes de Hyde étaient principalement constituées d'objets de peinture construits : Des gestes peints à la fresque sur des morceaux de mousse de polystyrène, des passages libres d'empâtements acryliques délicatement superposés à l'intérieur de grandes boîtes en verre sans air, de petites peintures exécutées avec du ruban adhésif de couleur, un tableau d'affichage épinglé jusqu'à ce qu'il déborde d'une variété de rectangles multicolores peints de la taille d'une carte, d'énormes oreillers en lin dont la surface présentait des écumes impressionnistes de teintes sombres.

Octobre 1, 2010
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